从普通插画到RISO风：限色、半调网点与套印偏移实操

第一次把一张画好的稿子丢进 RISO 风的处理流程里，看着屏幕上那张平平无奇的数码插画被压成三块颜色、盖上一层粗网点、边缘还微微错开，那种感觉很像把新衣服丢进老式洗衣机滚了一圈再拿出来——皱、旧、但有味道。RISO 风不是某一个滤镜按钮，它是一整套"假装自己被印在纸上"的视觉规则：限色、粗网点、套印偏移、油墨不匀、纸纤维透出来。这套规则学起来不难，难的是知道哪一步该收、哪一步该放，因为绝大多数人第一次做出来的是"贴了一层网点贴图的普通插画"，而不是"被印出来的插画"。

这篇东西写给两类人：一类是画得还行但上色总觉得"太干净、太数码"的插画作者，想给自己的作品加一层印刷质感；另一类是做海报、封面、周边、社媒配图的设计执行者，需要一个能稳定复现、不靠运气的处理流程。我会把 RISO 风的物理来源、配色逻辑、分色步骤、网点参数、错位尺度、纸感叠法，以及我踩过的那些坑，全部摊开讲。工具不限，位图编辑软件、平板绘图 App、甚至在线编辑器都能照着走，关键是理解每一步在模仿什么。

1. 先把 RISO 风的"好看"拆开：它到底在模仿什么

1.1 孔版印刷的物理逻辑，决定了这个风格的边界

RISO 风源自一种叫孔版印刷的工艺，原理和丝网印刷是近亲：机器把一张蜡纸版卷在滚筒上，油墨从版上的微孔被挤压到纸面，一色一版，印完一色换一版，纸张被送进去走一遍。这个物理过程直接决定了四件事，而这四件事恰好就是这个风格的全部特征来源。

第一，颜色数量被死死限制。每多一个颜色就多一张版、多一次走纸，成本和套准误差都会翻倍，所以实际印刷里绝大多数作品只用两色到三色，四色已经算奢侈。第二，油墨是半透明的。大豆基油墨盖不住下面的颜色，两色叠在一起是减色混合——粉压蓝出紫，黄压蓝出绿，这个"第三色"是白送的，也是 RISO 作品里最迷人的部分。第三，套准不可能完美。纸张靠机械送进去，每次位置都有零点几毫米到两三毫米的偏差，于是色版之间会出现细微的错边。第四，纸是有纹理的，油墨是压上去的，墨量不均、滚筒留痕、纸纤维顶出来，这些都是"印刷感"的来源。

理解了这四条，你就知道为什么很多教程教出来的效果"很假"：他们只在成品上盖了一层网点，却没有限色、没有叠色逻辑、没有错位、没有纸。等于穿了一身戏服但没入戏。真正有效的做法是从分色开始就按印刷的逻辑去组织画面，让每一个视觉元素都能对应到"这一版油墨"上。

1.2 四个必须同时成立的特征，缺一个就露馅

我把 RISO 风拆成四个可操作的维度，按重要性排序：限色、网点、错位、纸感。

限色是骨架。画面的颜色数量必须少到能数出来，通常是两色加纸白，最多三色加纸白。这里的"纸白"不是白色图层，而是留出来不印的空白，它自带纸张的米黄调。很多人做不好就是舍不得删颜色，把原图的渐变全留着，最后只能靠降低饱和度硬凑，出来一片灰。

网点是皮肤。RISO 的输出分辨率不高，网点颗粒粗到肉眼能看清，两颗网点之间能塞进纸纤维。这个"粗"是有尺度的，不是随便加个噪点就行，后面会讲线数怎么定。

错位是灵魂。没有错位的 RISO 风就像没放盐的菜，看着对，吃着不对。但错位量必须克制，屏幕上看两三个像素就够，放大到印刷尺寸也就一到两毫米。

纸感是底子。它负责把所有元素"粘"在一起，让观众相信这些东西是印在同一张纸上的，而不是四个图层叠在一起。

注意：这四个特征的顺序不能颠倒。先限色，再网点，再错位，最后纸感。反过来做，你会得到一个"加了纸纹的彩色画"，救不回来。

1.3 为什么这套风格特别适合普通插画

普通数码插画最大的问题是"太完整"——每根线都清楚，每个渐变都顺滑，光影逻辑严丝合缝。这种完整在屏幕上没问题，但放到一堆内容里就容易被淹没，因为它没有"物质感"。RISO 风做的恰恰是减法：把渐变压成块面，把细节压成网点，把颜色压成两三种油墨，然后用印刷的不完美重新给它一层物质感。

我实测下来，线稿清晰、块面明确、明暗关系简单的插画，转 RISO 风的成功率高得离谱；反过来，写实厚涂、复杂渐变、大量中间调的作品，转出来基本是一团糊。这不是技术问题，是素材不匹配。所以第一步永远不是打开软件，而是挑图。

2. 拆解前的准备：原图筛选与色彩规划

2.1 什么样的原图能转，什么样的转了必糊

我给一个很粗暴但好用的判断标准：把原图缩到手机屏幕上的缩略图大小，如果还能一眼看出画的是什么、主体在哪，就适合转；如果缩略图里已经糊成一团，直接放弃。

具体来说，适合转的图有三个共性。明暗层次少，最好只有"亮、中、暗"三层，因为每一层对应一个色版，层次越多色版越多，超过三个就没法收。主体边缘干净，线条或色块边界清楚，因为后面要做分色，边界模糊的地方分不干净。留白充足，画面里有可以让纸色透出来的区域，这是 RISO 作品的呼吸口，全画面铺满油墨反而闷。

不适合的图也很明确：照片、写实厚涂、大面积柔和渐变、细节密度极高的场景（比如密密麻麻的树叶、毛发、人群）。这些图不是不能转，是转完你得花三倍时间手动整理，性价比太低。

我自己的做法是，如果客户给的图不适合，我会先做一轮"预处理降级"——把细节磨平、把渐变压成色阶、把明暗归纳成三层，然后再进入 RISO 流程。这一步相当于给原图"减肥"，不做的话后面全是坑。

2.2 两色还是三色：配色板怎么搭才不土

配色是 RISO 风最容易翻车的地方。颜色选错，后面所有步骤都白做。我总结了一套可复用的搭配思路，分三步走。

第一步，定主色。主色决定画面情绪，占画面面积 50%–70%。常用的是高饱和但偏"印刷感"的颜色：荧光粉、亮橙、正蓝、墨绿。这类颜色的共同点是纯度高、明度中等，印在米黄纸上不会发灰。

第二步，定辅色。辅色占 20%–35%，负责制造对比和叠色。辅色和主色要在色相上拉开距离，比如粉配蓝、橙配绿、蓝配橙。拉开距离的目的不只是对比，更是让叠印区域产生好看的第三色。

第三步，决定要不要黑。黑色只用来做线条、文字、最深的一小块暗部，面积控制在 10% 以内。大面积黑会让画面死掉，而且真实印刷里黑墨覆盖力强，压住别的颜色会很脏。

搭好色板之后，一定要做一件事：把这三个色块并排放在米黄底色上，缩小到拇指大小看一眼。如果缩小后还是能分清三块颜色，色板就成立；如果糊成一片，说明明度太接近，回去调。

提示：主色和辅色的明度差最好拉开到 30% 以上。两个都偏亮的颜色叠在一起，网点一盖就分不开了。

3. 实操：从普通插画到 RISO 稿的完整流程

3.1 第一步：把原图压成三层明暗，别急着上色

这一步的目标是把原图的信息量砍掉一半以上。做法是把原图转成灰度，然后用色阶或曲线把中间调往两头挤，挤到画面里只剩下三块明显的区域：亮部、中间调、暗部。

我常用的参数是：色阶输入区间压到 60–190 左右，把两端的极端值砍掉，让亮部更亮、暗部更暗，中间调收窄。具体数值要看原图，但判断标准很统一——画面里应该出现明显的"块"而不是"过渡"。如果还有大片柔和渐变，继续压。

压完之后用阈值或者"色调分离"把灰度强制分成三层。三层分别对应：亮部（未来留白，也就是纸色）、中间调（主色版）、暗部（辅色版）。这一步不需要精确，因为后面还要手动修，但它给了你一个骨架。

处理完之后，我会把这三层分别提取成三个独立的图层，用纯色填充，混合模式全部设成"正片叠底"。这时候画面看起来会很怪，颜色很脏，别慌，这是因为还没有做网点和留白。这一步的成果只是结构。

新手最容易犯的错是在这一步就开始调颜色，觉得"这个粉太艳了"。不要调。等网点和纸感加上去之后，颜色会被纸色和纹理压下去一大截，现在看着刚好的颜色，成品一定发灰。

3.2 第二步：分色版，每一版对应一桶油墨

真正进入印刷逻辑的一步。你要把画面拆成"这一版印什么、那一版印什么"，每一版是一个独立图层，整层填充同一个颜色，不做任何渐变。

具体操作：新建图层，把你打算用主色印刷的区域选出来（可以用之前提炼的中间调图层做选区，再手动补删），填充主色，混合模式正片叠底。再新建一层，选辅色区域，填充辅色，同样正片叠底。最后如果需要黑版，单独一层，只放线条和最深的小块。

这里有一个关键原则：每一版的形状必须是"实心块"，不能有软边。真实印刷里一版油墨要么印上去要么没印，不存在半透明过渡。所以选区边缘要硬，羽化设 0 到 1 像素。想让某个区域"淡一点"，不是降低不透明度，而是用网点密度来表达——网点密就深，网点疏就浅。这是 RISO 和普通数码绘画最大的思维差异。

另一个原则是叠色顺序。浅色在下、深色在上，因为深色油墨会盖住浅色。荧光粉在下、蓝在上，叠出来是深紫；反过来蓝在下、粉在上，叠出来是偏亮的品红。两种都成立，但视觉重量完全不同，值得试两遍再定。

分完版之后，把三个色版图层暂时隐藏，只看它们的轮廓。如果轮廓本身就能读出画面内容，说明分色成功；如果轮廓像一堆不相干的色块，说明你在第一步的明暗归纳没做好，回去重来。

3.3 第三步：网点，决定"印刷感"真假的关键一步

网点是这一整套流程里技术含量最高、也最容易做假的部分。做对了，画面立刻有印刷味；做错了，就是贴了一张网点贴图。

先讲原理。真实印刷的半调网点是把连续调图像转换成大小不同、间距固定的点阵，点的位置固定、大小变化，人眼在一定距离外看就把它们混合成深浅。RISO 的输出线数大约在每英寸 70 到 105 线之间，比胶印粗得多，所以网点肉眼可见。你要模拟复古感，线数还要再往下压，屏幕上用 30 到 50 线效果最"贴脸"。

操作上有两条路。第一条是用软件的半调滤镜，把某个色版图层转成位图模式再转回灰度，或者用"彩色半调"功能直接生成网点。参数里最关键的是线数和角度：线数设 35 到 45，角度两版之间至少错开 30 度（比如一版 45 度、一版 75 度），否则会出现摩尔纹，画面上一片一片的波纹，非常难看。

第二条路是用现成的网点素材叠加，控制起来更灵活。做法是把网点图层的混合模式设成正片叠底，用蒙版控制哪些区域有网点、哪些没有。这条路的优势是网点大小可以手动控制，画人物面部的时候可以让脸上网点疏一点，衣服上密一点，有节奏感。

不管走哪条路，有一个细节必须处理：网点要有"墨量不均"的变化。真实印刷里滚筒压力不是绝对均匀的，某些区域墨会重一点、某些区域会浅一点。做法是在网点图层上叠一层低不透明度的噪点或云彩纹理，混合模式用柔光，不透明度 10% 到 20%。这一步做完，网点就从"数字图案"变成了"印上去的东西"。

注意：网点不要同时叠三层以上。两个色版的网点交叠已经会产生复杂的玫瑰纹，再加一层就是灾难。

3.4 第四步：错位，让画面"歪"得刚刚好

错位这一步，做的量和做的方向都很讲究。做得太少，看不出套印感；做得太多，画面散架。

先定量的标准。真实印刷的套准误差在 A4 尺寸上通常是零点几毫米到两毫米，极端情况会到三毫米。换算到 300dpi 的像素是：1 毫米约等于 12 像素，所以 1 到 2 毫米就是 12 到 24 像素。但我们在屏幕上看图通常不会放大到 100%，所以实际操作里，一个 2000 像素宽的画布，位移 6 到 15 像素之间的视觉效果最舒服。

再定方向。不要给所有色版统一位移。统一位移看起来像整体挪了一下，很假。正确做法是给每个色版不同的位移量和方向：主色版往左上挪一点，辅色版往右下挪一点，黑版几乎不动或者只挪一两个像素。这样色版之间形成的是"相对错位"，才是套印误差的真实样子。

还可以加一点点旋转。真实送纸偶尔会有轻微的歪斜，给其中一个色版旋转 0.2 到 0.5 度，画面边缘的错位量会自然变化——一边大一边小，这个细节极其真实，但很少有人做。

错位之后一定要检查边缘。如果色块边缘出现了清晰的、颜色不透明的"影子"，说明你的色版图层没有设正片叠底，改过来。错位处的重叠区域应该是两种油墨混合后的第三色，而不是单纯的一块深色。

3.5 第五步：纸感，把所有元素粘在同一张纸上

最后一步是把前面所有图层"焊"在一起。纸感由三个东西组成：纸色、纸纹、墨迹瑕疵。

纸色用一个纯色图层铺满，颜色选暖调的米白，色值大概在 #F2EBDD 到 #E8DFCC 之间，明度不要太高，太高就像白纸，没有复古味。这个图层放在最底下，混合模式正常。

纸纹用一张真实的纸张扫描图或者纹理素材，混合模式正片叠底，不透明度 15% 到 35%。判断标准是：把画面缩小看，应该能感觉到"底子不平"，但说不出哪里不平。如果一眼就能看出是贴了一张纹理图，说明不透明度太高了。

墨迹瑕疵是最出效果的部分。它包含三样东西：滚筒痕（横向或纵向的极淡条纹）、墨点（零星的小色斑，模拟油墨飞溅）、边缘不匀（色块边缘微微发毛）。滚筒痕可以用条纹素材，不透明度压到 5% 到 8%；墨点手动点几个，颜色取对应色版的颜色，大小不一；边缘不匀用轻微的蒙版模糊或者噪点位移来做。

这三样加完，画面才算真正"印"在纸上。我试过只做前两样，成品总感觉浮在表面；加上第三样之后，那种"旧"的感觉才出来。

3.6 第六步：导出，别在最后一步毁掉前面所有工作

导出参数看着琐碎，但它决定了你的作品在别人屏幕上是"精致"还是"糊"。

如果只是发社交媒体，导出 JPG 或 PNG，长边 2000 到 3000 像素，质量 90 以上，色彩空间 sRGB。这个规格足够在手机上看得清清楚楚，网点颗粒也能保留。

如果要做印刷品或者打印，导出 300dpi，长边按实际尺寸算（A3 是 420×297 毫米，300dpi 下约 4961×3508 像素）。这里有一个细节：如果你的网点是在低分辨率下做的，放大到 300dpi 会变成模糊的灰块而不是清晰的点。所以做印刷稿时，网点必须直接在最终分辨率上生成，不能做完再放大。

还有一点，导出前把预览缩放到 25% 看一眼。RISO 作品的观赏距离通常是"拿在手里看"，缩略图大小才是最接近真实观感的状态。如果缩略图看着舒服，成品基本没问题；如果缩略图糊成一团，说明网点太密或者颜色对比不够，回去调。

4. 参数与工具：几个可以直接抄的设置

4.1 网点线数与角度的组合表

网点参数不是随便填的，线数决定颗粒粗细，角度决定有没有摩尔纹。下面这张表是我反复试出来的一组可用组合，直接抄不会出错。

角度差的判断很简单：两个角度相差 30 度以上就不会明显摩尔纹，相差 45 度最安全。如果只有一版需要网点，另一版是纯色块，角度随便设，不影响。

线数的直观感受可以这样理解：35 线意味着每英寸有 35 个网点，一张 A4 纸上大约有 400 个网点横排。这个密度下，网点直径在屏幕上大约 3 到 5 像素，肉眼非常清楚。

4.2 叠色模式与不透明度：三个数字解决 90% 的问题

混合模式在这套流程里只有两个有用：正片叠底和柔光。正片叠底负责所有色版，因为它模拟的是油墨叠加的减色效果；柔光负责所有质感层（噪点、纸纹、墨迹不匀），因为它只改变明暗不改色相。

不透明度我给三个固定值：

• 色版图层：100%，绝不降低。要浅就用网点密度，不用透明度。
• 纸纹层：20%–30%。低于 15% 看不见，高于 35% 会盖住网点。
• 噪点/墨迹不匀层：10%–18%。这个区间刚好能打破数字感的均匀，又不会脏。

有一个例外：如果你想让某个色版看起来"墨快用完了"，可以把那一层的不透明度降到 85% 到 92%，模拟墨量不足的印刷品。这个技巧用在背景上很出效果，用在主体上会显得没做完。

4.3 纸色与油墨色的参考色值

色值不用记太多，记住几个"能打"的就够。下面这些是我反复用下来最稳的，注意它们都是屏幕色，实际印刷会有偏差，但做视觉稿完全够用。

用这些色值的时候有一个小技巧：把主色的饱和度再往上推 5% 到 10%。因为叠上纸色和网点之后，整体会被压暗压灰，预留一点余量正好。

5. 常见问题排查实录

5.1 画面糊成一团，看不出层次

这是最高频的问题，九成出在第一步。原因通常是明暗没有归纳干净，三层之间还有大量过渡，导致三个色版的形状互相咬合、边界不清。

排查顺序是这样的：先把所有色版图层单独显示，看每一版的形状是不是一个完整、可辨识的块。如果某一版是一堆碎片，说明那一层对应的明暗区间选错了，回去把色阶再压狠一点。再看三版之间有没有大面积重叠，重叠超过 60% 的画面一定糊，因为叠出来的第三色会覆盖掉原本的层次。

还有一个隐蔽原因：网点线数太低。线数低于 25 线时，网点大到会破坏色块轮廓，远看就是一团麻。这种情况把线数提到 35 以上就能解决。

我自己的经验是，糊的时候不要急着调颜色，先看轮廓。轮廓对了，颜色只是微调；轮廓不对，调什么颜色都救不回来。

5.2 网点看起来像贴图，不像印上去的

这个问题比"糊"更微妙，因为画面结构是对的，就是"假"。三个常见原因。

第一，网点密度完全均匀。真实印刷里网点会随着墨量、纸张吸墨性变化，有疏有密。解决办法是给网点图层加一层蒙版，用大号软笔刷在局部轻轻刷几下，让某些区域网点淡下去。

第二，网点没有跟随形体。如果人物脸上的网点和背景的网点方向、密度完全一样，就会像一张纸盖在画上。做法是在面部、亮部手动降低网点密度，在暗部、边缘加重，让网点跟随光影走。

第三，网点边缘太干净。真实网点印在纸上，边缘会有极轻微的毛刺和墨晕。给网点图层加 0.3 到 0.5 像素的高斯模糊，或者叠一层极淡的噪点，就能破掉这种"数字感"。

提示：判断网点真假有个笨办法——把画面放大到 400% 看。如果网点是完美的圆形、边缘锐利、间距精确，那一定是假的；真实网点会有轻微变形、边缘发虚、间距有微小的不均。

5.3 颜色发脏、发灰，失去了 RISO 的高饱和感

这个问题我踩过最多次。原因基本锁定在三个地方。

一是叠了太多色版。三个色版全部重叠的区域，减色混合三次，结果一定是浑浊的深灰褐。解决办法是控制重叠面积，让三版同时重叠的区域不超过画面的 10%，并且这块区域应该是画面最暗的点，而不是随便哪里。

二是用了黑色做中间调。黑色覆盖力强，一旦进入中间调区域，整个画面会被压死。黑色只做线条和最深的小块，中间的深浅关系交给彩色版的网点密度。

三是纸色太亮或者太灰。纸色如果是纯白，画面会失去暖调，颜色看着"飘"；纸色如果太灰，所有颜色都被拉低饱和度。纸色的明度控制在 90% 左右，色相偏暖，是最稳的区间。

还有一个容易忽略的点：导出时如果用了 Adobe RGB 之类的宽色域，在普通屏幕上会显得灰。发网图统一用 sRGB，颜色会鲜艳很多。

5.4 问题速查表

6. 进阶玩法：让作品从"像 RISO"变成"就是 RISO"

6.1 主动设计叠印区，而不是被动接受

大部分人做 RISO 风是把颜色分好之后，让重叠区域自然发生。进阶做法是反过来：先想好哪一块要出现第三色，再倒推两个色版该怎么放。

比如画一个人物，我想让脸颊上出现一层淡紫，那就让粉色版覆盖整张脸，蓝色版只在脸颊的阴影区出现，两块重叠的地方自然出紫。这个紫不是我调出来的，是叠出来的，它会有网点的颗粒感和边缘的不确定性，比直接画一块紫色高级得多。

这种思路的关键是"预留"。分色的时候要意识到，某个区域如果被我两个色版都覆盖，它会变深；如果我只想让它浅，就得让其中一个色版撤出去。做了几次之后，你会开始用"叠印结果"来思考画面，而不是用"最终颜色"来思考，这是从模仿到掌握的分水岭。

6.2 用真实的纸和真实的印刷品做素材

数字生成的纸纹再精细，也比不上真实的纸。我的做法是随手收集——旧书的内页、牛皮纸袋、快递盒的瓦楞面、速写本的空白页，用手机在自然光下拍下来，转成灰度，调一下对比度，就是一张可用的纸纹素材。扫描比拍摄更好，因为扫描的光线均匀，不会有阴影。

同理，真实的印刷品也可以扫描进来当质感层。旧杂志、传单、包装盒上的网点，扫描后提取网点区域，混合模式用正片叠底，不透明度压到 10% 以下，能给画面带来一种数字网点做不出来的"脏"。注意版权，自己买的、自己有的、自己拍的，用起来最安心。

这些素材用一次就够了，不需要每次都换。我常用的一共就四张：一张米黄纸纹、一张粗纤维纸纹、一张旧印刷品网点、一张噪点。四张轮着用，够撑起大部分项目。

6.3 把"不完美"做成可控的变量

RISO 风的高级感来自不完美，但不完美必须可控。我的做法是把所有"瑕疵"单独放在一组图层里，命名清楚，随时可以调。

这组图层包括：套印错位（每个色版一个位移量）、墨量不匀（噪点层）、滚筒痕（条纹层）、边缘毛刺（蒙版模糊层）、零星墨点（手绘层）。全部做完之后，我会把这组图层的整体不透明度在 60% 到 100% 之间来回拖，找一个"看起来旧但还能看清"的平衡点。

这个做法还有一个好处：同一张稿子可以出多个版本。不透明度 60% 是"轻微复古"，适合商业配图；100% 是"重度做旧"，适合个人作品和周边。同一套流程，改一个滑块就能出两种风格，效率很高。

6.4 几个我踩过的坑，你可以直接避开

第一个坑是贪多。刚开始做的时候总觉得颜色越多越丰富，结果四个色版一叠，画面变成一团深褐色。后来强迫自己只用两色，反而每一张都成立。限制不是束缚，是风格的来源。

第二个坑是网点过度。有一段时间我给每个图层都加网点，包括纸纹层，结果画面像隔着一层纱看东西。网点应该只出现在色版上，质感层保持连续调，这样才有对比。

第三个坑是忘了看缩略图。我做完喜欢放大到 100% 抠细节，结果发出去之后别人在手机上看，网点全糊了。现在我每做完一步都缩小看一次，缩略图才是真实观感。

第四个坑是死磕参数。网点的线数、角度、错位量，这些参数在不同尺寸的画布上表现完全不同，没有一组万能数值。我现在的做法是记比例不记数值：错位量大约是画布宽度的 0.3% 到 0.6%，网点线数大约是画布宽度的千分之一。按比例算，换什么尺寸都不会错。

第五个坑是把 RISO 风当成万能滤镜。它适合块面清晰、情绪明确的图，不适合所有作品。有些画就是要干干净净的数码感，硬套 RISO 反而是破坏。判断标准很简单：如果这张画的核心是"氛围和质感"，RISO 能加分；如果核心是"精确和细节"，RISO 会减分。

我个人在实际操作中的体会是，RISO 风真正难的不是技术步骤，而是克制。少用一个颜色、少加一层网点、少错一个像素，画面反而更对。每次做完我都会问自己一句：这个效果是为了让画面更好，还是为了让别人看出我做了效果？前者留下，后者删掉。